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Ansel Adams nació en 1902 en San Francisco. Su tema fotográfico principal fueron los paisajes.

En un viaje a Yosemite, California, captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles. En sus fotografías no suelen aparecer personas.

A Ansel Adams se le conoce como el padre del sistema de zonas. Esta es una técnica para exponer correctamente una fotografía, que determina las zonas de grises, a base de medir con el fotómetro el gris medio de una imagen.

En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O’Sullivan.

En 1933 viaja a Nueva York donde conoce a Alfred Stieglitz con quien entabla una gran amistad y quién le granjearía en el futuro trabajos en revistas como Fortune o Life. Stieglitz también le ayuda a hacer su primera exposición fotográfica.

En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas. Trabajó por encargo para las empresas Kodak, IBM y AT&T, además de ser fotógrafo asesor en Hasselblad.

En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema.

ntre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979). Entre sus numerosos libros sobre fotografía tiene especial importancia la trilogía de manuales técnicos sobre la cámara, el negativo y la copia.

«La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético.» – Ansel Adams (1902 – 1984).

 

Ansel Adams, referente en el mundo de la fotografía de paisaje y creador del sistema de zonas

Ansel Adams es uno de los grandes fotógrafos de la historia, conocido sobre todo por sus fotografías en blanco y negro de naturaleza, y por ser el creador del sistema de zonas.

Ansel Easton Adams nació en 1902 en San Francisco, California. Cerca de allí se encuentra el parque nacional de Yosemite, donde tomó la mayoría de sus fotografías más famosas. Muchas de sus fotografías son míticas y se han convertido en un símbolo de América. Gracias a ellas, muchos fotógrafos aficionados a la naturaleza han descubierto la belleza de Yosemite, haciéndolo un lugar de peregrinación y de culto.

El artista publicó varios libros, entre los que se encuentran su trilogía de manuales de instrucción sobre la técnica fotográfica. Hoy en día sigue siendo uno de los manuales más completos de fotografía, a pesar de haber sido escrito durante la época analógica, porque nos puede ayudar a avanzar como fotógrafos en busca de nuestro propio estilo.

La trilogía de manuales está formada por “La cámara”,  “El negativo” y “La copia”. Tres libros que tratan temáticas diferentes, pero que en su conjunto tratan de enseñarnos a conseguir copias de alta calidad.

Hoy en día sigue siendo un referente a la hora de enseñar y aprender fotografía. Aparte de sus fotografías, Ansel Adams nos dejó muchas frases que han pasado a la historia, entre las cuales podemos destacar las siguientes:

– Una buena fotografía no necesita ser explicada ni expresada con palabras.

– No hay reglas para las buenas fotografías, solamente hay buenas fotografías.

– La fotografía de paisajes es la prueba suprema del fotógrafo, y a menudo la decepción suprema.

– Cuando estoy preparado para una fotografía, creo que hay algo en mi cabeza que literalmente no debería ser. Estoy interesado en algo que se construya desde dentro, en lugar de sacar desde el exterior.

– No hay nada peor que una imagen nítida de un mensaje difuso.

 

 

 

 

 

 

 

 

Héctor Dager Blog

Dirección: Yolanda M. Guadarrama

Curaduría: Lucitzel Pedrozo Lara, Nayeli Benhumea
y Yolanda M. Guadarrama

El festival presenta las proyecciones: Impresiones alteradas y desasosiego; Las indagaciones y lo otro.

 

Estas colecciones de obras de la selección oficial son las tendencias más relevantes de la curaduría de Movimiento en Movimiento, y serán acompañadas de performances en vivo por medio de videollamadas en línea, así como de entrevistas a algunos de los autores presentes. En sincronía con las proyecciones, se suma la exhibición de las Diagonales 1 y 3 de la Muestra Merce Cunningham Centennial en formato de galería y en exhibición continua (loop).

 

Movimiento en Movimiento celebra, difunde, colecciona y promueva la producción de piezas audiovisuales que articulan un sentido estético a partir del movimiento, con o sin presencia corporal: danza para la pantalla, cinedanza, videodanza, performances videograbados, videoarte y cine experimental. Las obras reunidas revelan un sentido humanista en relación a la literatura, filosofía y sociedad, para generar reflexiones sobre los límites y cruces propios en la interdisciplina y transdisciplina audiovisual.

 

Su propósito es reunir una serie de obras excepcionales para difundir el género danza para la pantalla (en ocasiones referido como videodanza o screendance), buscando posibilidades entre la narrativa, los significados profundos, la danza y los medios audiovisuales, haciendo énfasis en la relación que ésta guarda con el cine, el movimiento y  la coreografía –tanto de bailarines como de imágenes y objetos–.

La selección de obras no muestra únicamente la belleza dancística o visual, más bien busca llevar al espectador al momento en que las imágenes “generaban sorpresa” y “significaban algo”, intentando escapar de la época actual de confusión en la que se manifiesta un excesivo uso de la imagen.

 

Movimiento en Movimiento ha coleccionado una gran diversidad de estilos a través de sus ediciones, así como en su galería permanente en la web; se trata de un conjunto de obras heterogéneas cuyo hilo conductor es el sentido claro, profundo y sólido que se manifiesta en el proceso de creación de cada obra.

Proyección de filmes pertenecientes a la selección oficial del festival:
Las indagaciones y lo otro. Piezas experimentales que dan cuenta de situaciones absurdas en el estado de cosas que vivimos, la depredación en el mundo digital y en el real, y animaciones en sintonía con la danza.

25 de octubre de 2019, 18:00 h
Entrada libre


Proyección de filmes pertenecientes a la selección oficial del festival:
Impresiones alteradas y desasosiego. Danza al estilo de la novela 1984, de George Orwell, misiles invadiendo la tierra “felizmente”, guerras de juguete para hombres de juguete e influencias de la literatura eslava en la danza para la pantalla.

26 de octubre, 17:00 h
Entrada libre

 


 

Muestra Merce Cunningham Centennial. Lo elemental, lo impredecible, lo inesperado.

Diagonal 1. Videodanzar la mirada: el coreógrafo tras la cámara.

Diagonal 3. Screendance event: extraer, ensamblar e interpretar aleatoriamente.

Se trata de secuencias en exhibición continua (loop), de exploraciones cámara-cuerpo-tiempo y de distintos fragmentos extraídos de obras del repertorio de Merce Cunningham (destacado coreógrafo en la historia de la danza y figura clave en la videodanza) ensambladas e interpretadas en un orden y una distribución aleatoria. Cada “evento” es único y concebido para ser adaptado en el espacio donde se presenta. Este proceso de exploración y de creación revela la percepción del espacio arquitectónico en resonancia, oposición, abstracción y desplazamiento.

25 y 26 de octubre, 11:30 a 19:00 h
Entrada libre

 


 

 

Yolanda M. Guadarrama. Cuenta con una amplia trayectoria en el ámbito de la danza para la pantalla, su primera pieza en este género la realizó en 1994. Ha sido jurado de Screendance en el Festival LIFF, realizado en Inglaterra. Está dedicada a la creación y difusión de este género artístico, escribe textos, imparte cursos y coordina proyectos. Desde hace cuatro años realiza la curaduría de Festival RIFF (RED International Film Festival) en Noruega, dedicado a danza-arte-cinema. Este festival fue fundado por Ella Fiskum y Yolanda M. Guadarrama. Sus obras han sido exhibidas en varios festivales internacionales en Europa y Sudamérica, su obra Comedores de Patatas obtuvo el premio al mejor corto experimental en Eurasia International Festival, Moscú, Junio, 2018. Como proyecto alternativo, ha sido coeditora y cofundadora de Revista y Editorial MOHO desde 1989.

Más información en: https://www.yolandamguadarrama.com/

 

Nayeli Benhumea (Ciudad de México, 1983). Realizadora mexicana de videoarte, videodanza y documentales. Licenciada en Diseño de la Comunicación Gráfica, con especialidad en Creación Dancística por parte de la Universidad Autónoma Metropolitana. Varias de sus creaciones han sido presentadas en festivales internacionales de videodanza. Cursó el Taller de escritura de videodanza, con Douglas Rosengerg. Cuenta con la Maestría en Artes Visuales por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México, especialista en la escritura sobre videodanza. Es profesora de Videoarte y de Investigación de Proyectos Artísticos en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México. Es coautora, junto con Hayde Lachino, del libro Videodanza. De la escena a la pantalla.

 

Lucitzel Pedrozo. (Ciudad de México, 1983). Videoasta, productora, investigadora, iconógrafa y editora. Maestra en Artes Visuales por la UNAM. Como realizadora desarrolló series, cápsulas y documentales en Tv Unam (2007- 2013). Como videoasta ha indagado en la experimentación de las posibilidades estéticas del lenguaje del video en la danza, a través de la videodanza (Ankoku Butoh, 2011; Espejo Negro, 2014; Insectos, 2016) y su expansión a diferentes disciplinas como la animación (Hoso Tan, Ad Astra, [Cátedra Arte y Enfermedad de la Universidad Politécnica de Valencia, 2015]), y la videoinstalación (MA. Videodanza Expandida, 2017). Es colaboradora y curadora del Festival Internacional de Danza para la Pantalla Movimiento en Movimiento y el Festival Internacional de Cine Poesía Fotogenia. Actualmente es becaria del Programa Jóvenes Creadores del FONCA (2018-2019) con la videoinstalación: Deconstrucción del Gesto.

 

 

 

 

 

El festival Hoy es 2030 en su segunda edición propone una convocatoria internacional para artistas emergentes a partir del subtítulo Artes amatorias. El objetivo del festival es indagar en el concepto de amor como posibilidad, actitud y forma de resistencia: una fuerza creadora de vínculos y de modelos alternativos para concebir las relaciones sociales más allá de los mecanismos del poder.

Vivimos un momento en el que la perspectiva positiva de futuro se ha visto sacudida por un fenómeno generalizado de desequilibrio entre sobreabundancia y escasez. La humanidad se revela como principal agente destructor en un encuentro dramático entre la historia natural y la historia del ser humano. Enfrentamos, sin duda, una nueva conciencia de desamor. El festival propone movilizar diferentes vocabularios estéticos para interrogar el hecho amoroso, y su relación con la transformación de la sociedad y la de la Tierra. ¿Podemos hablar del amor como una fuente impulsora de actos de coraje y transgresión para habitar el planeta de otra forma y, por qué no, erotizarlo?

Artes amatorias es una llamada al pensamiento y a la creación artística: imaginemos que despertamos y es un día cualquiera, a mediados de 2030, miramos a nuestro alrededor y realizamos una obra de creación artística inspirada en otras formas de discurso amoroso. Para demostrar o desmentir que un proyecto democrático planetario es posible.

Si quieres participar en el festival Hoy es 2030 puedes descargarte su convocatoria aquí. Tienes hasta el 10 de noviembre de 2019 para hacerlo.

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